Testimonios de una pandemia: infancia 2020

Vania Coria Libenson*

Si te pidiera que me hablaras de cuando eras niño, de unos 7 u 8 años, ¿qué me dirías? Atrás de ese suspiro profundo que acabas de exhalar, lleno de colores, sonidos, aromas y personas, ¿por dónde empezarías a narrar? ¿Qué sientes con lo que recuerdas?

Quizá las tardes en casa de la abuela que te cuidaba mientras tus padres trabajaban, las salidas al parque con la nana, correr riendo por nada con los amigos de la cuadra, el sabor del helado que trae un señor en un carrito simpático al compás de una campana, o esas clases obligadas de baile, pintura o música que tomabas a disgusto, pero convencido por tus padres de que serías una mejor persona mientras más habilidades tuvieras. ¿A qué ritmo te movías? ¿Con cuánta gente interactuabas? ¿Dónde y cómo aprendías mientras crecías?

Milagros tiene 8 años. Los cumplió el 28 de marzo. A tan sólo una semana del arranque de la cuarentena obligada por el virus que hoy detiene economías completas y se ha llevado millones de vidas en tan solo unos cuantos meses.

Todos los días se despierta a las 7:30 horas con un beso que le da su mamá, se lava la cara, se cambia el pijama por ropa cómoda, desayuna un licuado cargado de vitaminas y nutrientes, y camina 12 pasos al escritorio del pequeño estudio en su casa, para iniciar sus clases virtuales. 15 minutos en total.

Las escuelas no abren aún. Y “eso es bueno”, dice con un gesto de miedo y discurso de grande:  “Porque los niños son más difíciles de controlar en cuestiones de limpieza, y podrían llevar el virus más rápido a sus casa y así a toda la ciudad”. Y cuando termina esta frase, baja un poco la mirada y completa: “extraño a mis amigos, y ver la calle, y poder caminar rápido, o correr y no tener mi cara tapada. Siento que me ahogo…”.

Y es que tras la indicación del gobierno estatal de suspender las clases temporalmente, sobrevino una rápida e improvisada implantación de modelo educativo para todos los niveles, que constaría de salones virtuales; en plataformas varias, los profesores y alumnos intentarían retomar aquello en lo que se quedaron en los ciclos escolares tradicionales. Para este problema que requería de solución más que solo temporal, se ajustaron los programas académicos, se capacitó a los maestros, se flexibilizaron los materiales, se modificaron 360 grados las formas de enseñar y aprender. Se ha hecho lo que se ha podido, se han visto voluntades y vocaciones genuinas, pero también inútiles. Nos hemos destapado en todas y cada una de nuestras miserias como país y población, y ha quedado evidenciado el enorme hueco de nuestro sistema educativo y cómo éste no es ni igual, ni suficiente para todos.

Si bien las generaciones actuales tendrán un rezago académico importante, hay un tema todavía más delicado del que no hemos podido ocuparnos ni subrayar en rojo por lo impactante de la situación de salud y desempleo: el desarrollo psicosocial y emocional de los niños.

La estructura que hoy nos forma a los adultos, se compone de una larga cadena de acontecimientos intelectuales, sociales y biológicos que en conjunto dispusieron forma y fondo de nuestro carácter y manera de ser. Nos formamos con la suma de maestros, reglas, normas, recursos y directrices que fueron tomados por nosotros al menos los primeros años de nuestras vidas. Hasta que de manera adulta pudimos elegir a voluntad nuestros criterios y deseos, que dieran dirección a nuestras vidas.

Independientemente de la clase social, económica, cultural, la etnia o religión, la mayoría de nosotros contó con la posibilidad de aprender según la etapa de la vida que estuviésemos cruzando; en el piso gateando, tocando y probando, imitando sonidos, desprendiéndonos del super yo, y desarrollando nuestros talentos a prueba y error. Y a nuestros 7 u 8 años, como se puede constatar en la teoría del desarrollo y evolución psicosensorial del niño, en contacto con el mundo y los demás.

Es fundamental en esta etapa del desarrollo, la posibilidad de socializar, agrandar la conciencia del entorno y los límites espaciales e impacto en las acciones o actividades de otros que se relacionan conmigo. Así se aprende, así se evoluciona en la etapa cognitiva de los individuos de entre 6 y 9 años, la tercera etapa de la niñez, y casi antesala de la adolescencia. Es a través de la actividad física, dinámica, social, emocional y de conjunto, que se desarrollan las habilidades necesarias para poder vivir después en sociedad con adecuada conciencia y responsabilidad sobre la interconectividad de los seres humanos y los grupos sociales. En contacto con las cosas, recorriendo espacios, filtrando imágenes y experiencias sensoriales se confirman muchos de los conceptos aprendidos en la primera infancia y se les da el valor de componentes ineludibles del mundo que nos rodea y el cual habitamos e impactamos.

Un mundo que Milagros, en 80 metros cuadrados, no alcanza a absorber y dimensionar del todo. Como aquél que nada por primera vez en el mar y, al no tocar el fondo, se impacta de lo profundo y grande que es ese otro reino, que en hojas de papel solo abarca hasta las orillas.

Milagros no sabe qué le falta. Venía viviendo una vida normal, en tiempo y forma pudiéramos aventurarnos a afirmar que era una vida adecuada a su edad. Con estímulos y contención adecuada. Su desarrollo era completo y feliz. Hoy no es falta de cariño, o ganas, ni tampoco las de por sí desafiantes modernidades del milenio y los atajos en los procesos tecnológicos, lo que hacen que su crecimiento esté en pausa, semi aplastado entre paredes. Es una realidad, como las ha habido en otros siglos y momentos, que escapa del control de absolutamente todos. Que nos obliga a redirigir nuestros pasos y adaptar las conductas. Es un momento en el que se resuelven las supervivencias por encima de las urgencias, y donde hay recursos limitados en muchas áreas de la vida. Se hace lo mejor que se puede.

También tendrá que venir la resignificación del crecimiento, de la socialización sana y digna, de la infancia feliz y los adultos capaces de cuidar de sí, de los otros y de un planeta que por el momento no pueden salir a conocer ni a admirar.

*Vania Coria Libenson es alumna del Taller de Periodismo y Literatura impartido en Trithemius por Mireya Espinosa.

Diálogos con José Clemente Orozco

Alumnas del taller de Periodismo y Literatura nos cuentan acerca del muralista jalisciense que hizo del arte mural un instrumento para la denuncia e impresionó por la representación de la miseria humana.

A través de una entrevista ficticia y lúdica, Magdalena Dueñas, Graciela Soto y Vania Coria exploraron en la vida y obra de José Clemente Orozco; después hicieron su propia investigación para redactar los textos.

Compartimos los trabajos a propósito del aniversario del nacimiento del artista, el 23 de noviembre de 1883:

Originalidad y grandeza

Magdalena Dueñas G.

Orgullo jalisciense, cuya denuncia a través del arte trasciende en el tiempo, como claro ejemplo de que el objeto estético se convierte también en documento social.

ORÍGENES

Su infancia transcurrió entre Jalisco y la Ciudad de México; él mismo relataba que fue un niño serio y más bien introvertido, quién diariamente al regresar de la escuela pasaba por un taller de litografía, donde casualmente conoció los grabados de José Guadalupe Posada y comenzó a interesarse por la pintura, al grado de inscribirse a clases vespertinas en la  Academia de San Carlos. Su inclinación por  el pincel se puede  decir que fue innata ya que en su familia no tuvo acercamiento a este arte. Su padre era fabricante de jabones y su madre se ocupaba de la familia a la vez que disfrutaba tocar el piano.

Siendo muy joven cursó estudios de agronomía por decisión de sus padres, pero la vocación artística prevaleció, trabajando al principio como caricaturista de los periódicos “El hijo del Ahuizote” y “La Vanguardia”, al tiempo que realizaba acuarelas y dibujos ambientados en los barrios bajos de la capital mexicana. Ya su obra de entonces impresiona por la forma de representar a los personajes con su miseria humana.

Sorprende saber que en 1904 le amputaron la mano izquierda a consecuencia de un accidente con pólvora, y no obstante, determinó dedicarse a la pintura, llegando a ser uno de los mexicanos más reconocidos por la originalidad y grandeza de su obra.

La falta de su extremidad no lo limitó para abordar el muralismo como principal oficio, pero la obsesión por pintar manos lo acompaño siempre.

TRAYECTORIA

En 1922 se unió a Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros en un sindicato de pintores y escultores que buscaba recuperar el arte de la pintura mural.

Los primeros murales los realizó entre 1923 y 1926 en el Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México con temas relacionados con el origen del México mestizo, la crítica a las fuerzas negativas, y la tragedia humana de la Revolución.

Otros artistas trabajaron también en San Ildefonso en esa época y fueron duramente cuestionados  por diferentes grupos, incluidos los estudiantes del recinto, que ya para entonces  era la Escuela Nacional Preparatoria de la UNAM. Se dice que incluso hubo necesidad de que Orozco y otros pintores   rehicieran segmentos de su obra,  debido a  los  daños causados por los inconformes.

El muralismo tenía entonces la idea de educar a las masas, construyendo imágenes que representaran algo para quienes las contemplaban. Eran patrocinadas generalmente por el gobierno, aunque obviamente reflejaban las ideas y filosofía de los  artistas, como en el caso de Orozco cuyas convicciones e ironía están siempre presentes  en su pintura. Cuando se observa alguno de sus murales, sabiendo a quienes representa, no hay forma de no  asombrarse,   o admirar, no solamente su técnica, sino la imaginación para mezclar personajes tan disímbolos que forman parte de nuestra  historia.

Al respecto escribió: “La más alta, la más lógica y la más fuerte forma de pintura es la mural. Sólo en esta forma es una con las otras  artes, con todas  las  otras. Es la forma  más desinteresada, porque no puede hacerse de ella asunto de ganancia privada; no puede ser ocultada para beneficio de unos cuantos privilegiados. Es para el pueblo. Es para todos”.

El arte del siglo 20 está ineludiblemente influido por las diferentes corrientes de pensamiento surgidas del periodo entre guerras, y en el caso de México, también por la revolución de 1910, de la que el artista deja innumerables testimonios en sus murales. No solamente representó la historia, la confrontó, dejando para la posteridad una aguda crítica.

Orozco es uno de los principales protagonistas del muralismo que se inscribe ya en el denominado modernismo, al romper con los métodos, técnicas y temática del arte tradicional.

Por  obvias razones, un artista de su talla no pasaba desapercibido, por lo que entre 1927 y 1934 vivió en Estados Unidos realizando principalmente murales  con temas como  la esclavitud, el trabajo, la cultura del maíz, la evangelización y otros temas  sociales.

De regreso en México, su trazo lo plasmó en el Castillo de Chapultepec, el Hospital de Jesús, la Suprema Corte de Justicia, el Palacio de Bellas Artes entre otros, llegando al clímax de su carrera artística con los cuarenta frescos de la Capilla del Instituto Cultural Cabañas abordando el tema de la fisonomía histórica de México.

Tuvo la fortuna de recibir en vida reconocimientos y premios, y al morir, en 1949, fue velado en el Palacio de Bellas Artes; sus restos descansan en la rotonda de los Hombres Ilustres del Panteón de Dolores en la Ciudad de México, siendo el primer pintor en recibir dicho homenaje. Así mismo, en la Rotonda de los Jaliscienses Ilustres de Jalisco, hay un monumento en su memoria. 

De la  obra  de Orozco se han escrito infinidad  de  textos  especializados, en los  que  seguramente  se analiza y se hace honor a su arte y a la  trascendencia que  en el ámbito pictórico  ha tenido.

Aquí pretendemos únicamente dar una pincelada que provoque el  interés  por  acercarse  a  visitar alguno de tantos  emblemáticos  lugares  de México en los  que  singular artista  nos compartió  su  arte  y su  filosofía  de la  vida.

Genio crítico

Graciela Soto

El Instituto Cultural Cabañas es el hogar de murales que transmiten la grandeza y visión de un luchador social que plasmó la realidad desigual. Paredes antes vacías fueron para José Clemente Orozco grandes lienzos que le permitieron representar una visión del México y su lucha por la vida. Filosofía, conquista e independencia se configuran en su arte.

El pintor de grandes extensiones, que con diversos simbolismos, líneas, sombras y colores comunicaba su forma de pensar, se las ingenió para integrar la visión del genio crítico que fue.

Formó parte del grupo de los muralistas que buscaban mostrar las injusticias sociales. Con grandes brochas y pinceladas de denuncia, en andamios y cúpulas plasmó lo que le encargaban, pero también su propia visión crítica. El gobierno apoyaba muy poco el arte, por lo que este grupo recurría a la huelga y a la pintura para denunciar los abusos.

El artista nacido en Ciudad Guzmán, hoy Zapotlán El Grande,  se volcó por este medio de expresión, decepcionando a sus padres que querían que tuviera otra profesión. Pero él ya llevaba en el alma su gusto por el arte. Cuando vivió en Guadalajara, aprendió al mirar trabajar a Posadas. El creador de La Catrina hacía los grabados y el niño de 8 años que entonces era Orozco, veía la magia de un dibujo y de la imprenta. Su estancia en la escuela Nacional de Agricultura en la Ciudad de México lo llevarían después a confirmar su vocación en la Academia de San Carlos. Con esta acción aprendemos de este artista a defender la vocación del alma, a escuchar el llamado interior, a no dejarnos llevar por las expectativas de los padres y lo que otros desean para ti.

Perdió su mano izquierda muy joven por una explosión con pólvora y fue con una sola mano que pintó esas paredes blancas, no solo de Jalisco sino también de California, Nueva York, Veracruz, sitios en los que se encuentra el testimonio de su creación. Aprendemos con esto que un pintor de una sola mano trasciende porque no solo se pinta con la mano sino con todas las células del cuerpo, con la mente, con la imaginación, con el rostro y con la determinación.

Orozco fue un visionario; percibió que la tecnología sería parte de la vida y eso lo incluyó en sus imágenes. Su amor por la naturaleza del hombre se puede percibir en el Hombre de Fuego, obra cumbre que está en la cúpula de la capilla del Cabañas. La tierra, el aire, el agua y el fuego se encuentran en ese ser en llamas.

Arte puro y derecho

Vania Coria Libenson

Pocos pueden jactarse de hacer murales y caricaturas con una sola mano.

 Interesado por los colores, José Clemente Orozco fue voz de la injusticia y opresión social, a través del lienzo.

Dejó su visión plasmada en sitios como la Nueva Escuela de Investigación Social, en Nueva York; en el tablero rectangular de Bellas Artes, en la Ciudad de México, y en nuestro icónico y amado Hospicio Cabañas.

Si bien su primera exposición individual fue en una librería llamada Biblos de la capital del país, en 1916, Orozco fue el primero en hacer un verdadero fresco en Nueva York.

En su paso por Estados Unidos, perfeccionó la técnica del muralismo, lo que incluso lo llevaría a dar clases en el Darmouth College de Hanover, en New Hampshire, en 1934.

A su regreso a México, Orozco tendría su máxima culminación artística decorando la cúpula y muros del Paraninfo de la Universidad de Guadalajara, haciendo hincapié en los beneficios de la educación y de la investigación artística. También dejó su arte en el enorme Hidalgo que se yergue en la escalinata del Palacio de Gobierno, obra en la que se expresa, en una especie de tríptico, la lucha por la liberación de México. Desde luego son emblemáticos el hombre envuelto en llamas en la cúpula del Hospicio Cabañas, junto con otros 40 grandes frescos en las distintas secciones de todo el conjunto.

Orozco fue un pintor comprometido con las causas sociales. Su estilo realista tenía como fin hacer un arte puro y derecho para que el pueblo lo viera y lo confrontara. Retrató la condición humana de forma apolítica; interesado en los valores universales comunicaba a través de sus imágenes la capacidad del hombre de controlar su destino y su libertad ante los efectos determinantes de la historia, la religión y la tecnología.

Los otros héroes

María Elena Espinosa M

Tradicionalmente la celebración del hecho histórico pone sobre la mesa a los héroes, a los protagonistas que ocupan ya un lugar en la historia.  Estamos acostumbrados a celebrarlos y repetir una y otra vez sus proezas, sus hazañas, sus anécdotas. Hablamos de ellos y de las condiciones en que llevaron a cabo los hechos y nos permitimos reflexionar en las consecuencias de sus acciones en el presente.

Conocer nuestra historia es ocasión de conocernos como humanidad y conocernos implica ser lo más objetivo posible, es por eso que se hace tan importante el trabajo del historiador, del informador que registra los hechos con apego a la verdad. Pero no es tarea fácil, después de todo los seres humanos tendemos a tomar partido a emitir juicios.

La conmemoración de la Revolución Mexicana en nuestro país da pie a la revisión del trabajo del periodista John Reed como muestra para reflexionar acerca de la estructura de la crónica periodística; sin embargo, ha sido también un disparador para ir más allá del simple análisis de sus textos. Aquí se pretende mencionar la importancia de este trabajo porque olvidamos que para que la historia llegase a nuestras manos debió existir alguien que se ocupara de registrar los hechos, de investigarlos, documentarlos.

Es una clase de héroes que omitimos o pasamos por alto:  los que se encuentran detrás de una lente o siguen a los protagonistas pretendiendo obtener los datos fidedignos de lo que está pasando a veces exponiendo su propia vida. En esta ocasión recordamos a John Reed, el reportero estadounidense que decidió registrar los hechos de la revolución mexicana a partir de su estancia en el norte.

John Reed

La figura de John Reed está ligada a la historia de la revolución mexicana a través de su trabajo periodístico que documentó principalmente esa parte del mosaico histórico donde el principal protagonista fue Francisco Villa. No vamos a repetir aquí los hechos que se encuentran ya registrados en “México Insurgente”, la obra resultante de los afanes de Reed, pero sí mencionar la importancia de su trabajo porque su interés en la información veraz lo llevó a estar en el lugar de los hechos.  

Recorrió los caminos igual que los campesinos que seguían a Villa; estuvo cerca del Centauro del Norte conociendo de primera mano sus acciones y retratando para la posteridad un personaje que muchos juzgan mítico y otros consideran bandido. 

Ser objetivo es una tarea ardua, se tienen que abandonar los juicios propios y Reed trató de narrar los hechos con una objetividad tal que al leerlo nos parece estar viviendo el hecho.  No se necesita ir a mirar las escenas de las batallas filmadas por la compañía cinematográfica con la que Villa hizo acuerdos porqe Reed, con su excelente manejo de la crónica, nos sitúa en el mismo campo de batalla y nos permite tener una idea de las escenas muy apegadas a la realidad. Eso es algo admirable en su trabajo periodístico.

Valorar a estos personajes que permanecen tras bambalinas es hacerles justicia.  El oficio del informador suele ser poco valorado. Los reporteros de a pie casi nunca reciben todo el crédito que debieran. A veces ni siquiera leemos el nombre del autor de una nota.  El autor de un reportaje, un documental o una crónica ha hecho un recorrido, se ha informado, investigado, dedicado tiempo. Merece que revaloremos su quehacer sobre todo ahora cuando hay una crisis de credibilidad de los medios. Conociendo las peripecias de John Reed tal vez seamos capaces de cambiar nuestra percepción del oficio del periodista.

*María Elena Espinosa M. es alumna del Taller de Periodismo y Literatura en Trithemius.

YO, LA SOLDADERA

Graciela Soto*

Yo la soldadera, la no reconocida

la que ha dejado todo atrás,  la que sigue a un revolucionario

que a su vez sigue a otro, que luchan por la tierra y la libertad.

Por caminos polvosos, cruzando ríos y escalando montañas

sigues a este hombre, a esta tropa,

 duermes bajo los árboles con un techo de estrellas.

Dejaste familia, tu casa con árboles, tu comida en la mesa.

En cambio te componen canciones, te reconocen por valiente y bonita.

Hay heridas profundas en la batalla, tu limpias la frente, quitas la sangre

te cuelgas el fusil y la carrillera, marchas al frente mujer soldadera.

Eres compañía, amor, mujer de piel tibia,  de huaraches y enaguas,

con tus trenzas y rebozos lo mismo prendes la hoguera

 que elevas plegarias de que nadie muera.

Pero no más, no hay generalas ni sargentas.

Los frutos de la revolución llevan tu nombre, bordado con hilos invisibles

tú también defendiste la patria de los caciques en los que eras sirvienta, eras nada.

Escuelas para que fueran las niñas, trabajos en lo que si te pagaran.

Mujeres presidentas, diputadas, alcaldesas, doctoras,

muchas antes de ti para que hoy seas tú quien quieras.

En el 2020, mujer soldadera, la Revolución te hace justicia,

Pero cuando todo parecía mejorar, luchas por tu vida,

peleas tu propia guerra y te haces escuchar,

tomas las calles, derribas monumentos,

rompes los moldes, quiebras los límites y te atreves a luchar por ti,

que no te violenten, no desaparezcas, 

una nueva Revolución se requiere donde la mujer es objeto o mercancía

 por todas las muertas de Juárez

pero no sólo ahí, en  todos los lugares,

por las que pierden la vida en las manos

de quienes juraban amarlas.i

*Graciela Soto es alumna del Taller de Periodismo y Literatura

Cuatro interpretaciones

Era 1921. Se le consideraba el año del renacimiento mexicano. La línea política marcaba los tiempos para la construcción del Estado posrevolucionario, enfatizando su cercanía al pueblo. No hubo mejor oportunidad que el centenario de la consumación de la Independencia.

Con Álvaro Obregón en la Presidencia, la estrategia era mostrar al pueblo y vincular al Estado y su propuesta nacionalista con los pueblos indígenas. Esto, según los historiadores, marcó el inicio del Estado cultural, es decir que las políticas públicas también pusieran atención a las artes y la cultura. Fue así como el arte popular se visibilizó y obtuvo su reconocimiento.

Esta parte de la historia del arte popular de México la conoce muy bien Margarita Barajas Zendejas, gestora cultural especializada en la riqueza artesanal del país. A través de una exposición en el taller de Periodismo y Literatura, la también socióloga acercó a las alumnas a ese legado que es mucho más que barro moldeado y que es urgente revalorar.

El 110 aniversario de la Revolución mexicana es ocasión adecuada para mostrar cuatro lecturas de una misma herencia viva hechas a partir de los conocimientos compartidos por Barajas Zendejas.

Con el alma en las manos

Mara Espinosa

¿Conocemos en verdad  nuestro  país? ¿Qué tanto sabemos acerca de los usos y costumbres de cada uno de sus pueblos, de sus habitantes, de sus tradiciones, de su cultura? Nuestra patria es un extenso mosaico donde cada rincón tiene su colorido propio. Cada uno de sus estados ofrece tal riqueza cultural que a veces no es posible conocerla por completo. Y es que conocer tiene que ver con cosas tales como: conocer a su gente, escucharlos hablar, probar sus riquezas culinarias, pasear, pero no para tomar fotografías sino para vivir cada lugar y luego recrear esas vivencias que se quedan en la memoria. Adueñarse con todos los sentidos del colorido, los olores, los sonidos, los sabores, el ambiente de cada lugar no es algo que podamos hacer tan fácil a menos que tengamos la suerte de permanecer lo suficiente.

Algunos de los sitios de mayor interés son los mercados, pues por lo regular es ahí donde se encuentra la mayor riqueza.  Pasear por sus establecimientos es una delicia, sobre todo cuando el lugar es rico en manifestaciones típicas. Hay que  adentrarse en sus pasillos hasta dar con esos puestos llenos de colorido y de la creatividad de nuestros pueblos.

Conocer la artesanía de un lugar es conocer a su gente. Los mexicanos somos un pueblo que se aferra a sus costumbres aunque hay que reconocer que muchas veces nos son por completo desconocidas.

Por eso se valora la conservación que se hace, sobre todo al interior del país,  de esa parte cultural, ligada sobre todo a los usos y costumbres de cada pueblo, a su identidad. En ellos es donde se encuentra más vivo el uso y la creación de artesanías a diferencia del norte del país, donde la cercanía con los Estados Unidos ha permeado en las costumbres de muchos de los habitantes de esta región.  Hay una marcada penetración mercantilista y una tendencia al consumo de productos y costumbres ajenas a las nuestras.

Al centro del país esta aculturación, por llamarla de algún modo, todavía encuentra algo de resistencia. En esos pueblos es más nuestro México con sus tradiciones y eso se nota hasta en la fabricación y consumo de gran variedad de productos artesanales.

Mientras para nosotros la artesanía pasa casi desapercibida o  no es algo a lo que le demos la importancia necesaria porque “no son cosas que necesitemos” debido a nuestra forma de vida”,  para los visitantes de otros países son objetos dignos de aprecio, incluso los consideran verdaderas obras de arte que gustosos exhiben como tesoros encontrados en sus viajes.

De acuerdo con Margarita Barajas, socióloga inmersa en el conocimiento de las artesanías del estado de Jalisco, es importante revalorar estas manifestaciones toda vez que contienen en sí mismas importantes valores intangibles. Más allá del valor utilitario como objetos, nos hablan de identidad, formas de vida, inspiración, técnica. Representan no sólo un objeto sino a sus creadores y amplifican el conocimiento que podemos tener de su historia y su presente.

No siempre se le dio su verdadera dimensión a la artesanía. Apenas en los años 20 se le reconoció como arte popular y se le confirió valor artístico. En los años 50 pasó a ser objeto de estudio antropológico. Personajes representativos de la vida cultural del México de esos años como Gerardo Murillo, mejor conocido como Doctor Atl, Jorge Enciso y Roberto Montenegro se ocuparon de la revalorización del arte popular.

La  creación de una pieza de artesanía es un conocimiento que se transmite de padres a hijos. Hay comunidades enteras dedicadas a crear determinado tipo de artesanía. Aún los mismos utensilios tienen su sello característico, su técnica particular. Es así como nos enteramos que hay diferentes clases de, por ejemplo, utensilios de barro. Sí, porque hay que saber distinguir entre ramas y familias de artesanías.  La forma en que se elaboran hace la diferencia, de tal modo que no es simplemente una olla de barro, sino que puede ser de barro bruñido, canelo o bandera y que ese nombre determinará la técnica para su elaboración así como el acabado que tiene la pieza. También hay que saber si está hecho con greda o esmaltado y si ese esmaltado está libre de plomo.

La conservación de estas técnicas es una especie de resistencia cultural. Los artesanos siguen utilizando las mismas formas de hacer que sus ancestros a pesar de los intentos por industrializar su producción.  Al decir industrializar pensamos en procesos de fabricación de piezas destinadas a surtir un mercado cada vez más demandante, procesos en los que las piezas perderán su integridad, su personalidad, su autenticidad.  No es lo mismo fabricar en serie que acariciar el barro para moldear una pieza. Aunque ésta sea igual a las otras en su forma, o esté destinada para los mismos usos, algo de la creatividad, de los sueños o del ludismo del artesano queda plasmada en la obra dándole un carácter único porque el proceso de construcción es, al mismo tiempo que un trabajo, un goce y  le confiere a la pieza esa gracia que no tienen otros productos que sirven para lo mismo.

Y es que usted tome en sus manos cualquier artesanía, un jarro, una taza, una cuchara de madera, un juguete, etc., aunque esté junto a otros semejantes a él siempre encontrará un rasgo distintivo que, me atrevo a decir, es el alma de la pieza y esa alma, no se logra con una máquina que fabrique en serie. Tener en las manos una artesanía es tocar el alma del artesano. Tocar sus sueños, sentir vibrar en la pieza la pasión puesta en ella, el amor con que fue creada.

Fotografía de Pablo Márquez Cervantes

Guardiana de un legado

Vania Coria Libenson

A través del arte y sus expresiones nos vemos, nos narramos, alcanzamos la inmortalidad. Es en el hacer estético elaborado con técnica, que alcanzamos lo sublime y nuestra terrestre identidad. Y con el paso del tiempo, como les pasa a las calles, a los edificios, a los rostros y a la naturaleza misma, hay rasgos que simplemente se pierden, se van.

Quien custodia el arte, asegura nuestra prevalencia. Quien estudia, conoce, difunde y conserva el ADN de las piezas artesanales, nos mantiene vivos después de muertos. Y para la artesanía jalisciense, Margarita Barajas es más que solo una defensora y promotora; ella es guardiana y portavoz de la lucha por preservar el legado de cientos y cientos de años de tradición, con la visión y transformación de procesos necesarios, para avanzar junto a las nuevas formas, y asegurar su futura permanencia.

Fue apenas en los años 20, cuando se rescató la producción indígena y se revalorizó la estética popular. En ella se imprimían desde el inicio la historia, identidad, ideales, formas de vida, pueblos enteros y valores culturales intangibles que la hicieron herencia viva. Son los años 50 quienes verían logrado el valor antropológico del arte popular en una exposición de los trabajos de poblaciones indígenas, el valor histórico se les sería reconocido, y su difusión internacional vería la puerta. Son estas décadas, a manos de personajes como el Dr. Atl, las que darían el foco correcto a la alfarería, artesanía y cerámica mexicanas.

Las artesanías nos hablan de nosotros. De quiénes fuimos, de dónde venimos. Son más que un trabajo hecho a mano; son un producto de identidad cultural comunitaria que transmite de generación en generación no solo imágenes y utilidad, sino beneficios de índole psicológico, de relajación y trascendencia.

Según la región del país de donde vengan las piezas y las técnicas, los trabajos artísticos se distinguen. Arte wirrárika, vidrio soplado, barro horneado, alfarería y hasta el sincretismo tras la Conquista, cada pieza lleva en su más diminuta arena el ser de los pueblos y etnias mexicanas. Pinceles hechos de cabellos de mascotas y pinturas hechas con tierra. La tierra de la que vienen estos grandes maestros del arte popular.

Dentro de este recuento de antepasados y olor a tierra mojada, habita un triste peligro: la extinción. Varias transformaciones han sufrido los procesos de elaboración de las piezas artesanales sin renunciar a su integridad y valor: implementación de materiales de poco peso, grecas en los dibujos, regulación de temperaturas y nuevos moldes, técnicas de oriente adaptadas, cerámicas tipo corcho y hornos que dan texturas de madera. Todo esto buscando una gama más amplia de comercialización, que dé a conocer mundialmente nuestras creaciones y genere un modelo sustentable para las familias que por generaciones, desde los abuelos hasta los niños, se dedican a esta labor. Pero no ha sido fácil, ni suficiente para mantener la competitividad que les permita seguir.

Las grandes demandas no pueden ser abastecidas con los procesos manufactureros actuales, y el ceder ante la propuesta de maquinarias y estandarización de métodos, asustan a los fabricantes actuales por miedo a perderse en la tecnología y dejar de tener en cada pieza una pincelada de legado ancestral. ¿Pero, qué hacer entonces? ¿Cómo preservar parte del proceso creativo y las técnicas, y al mismo tiempo adaptarse a los cambios y necesidades de un mercado en constante movimiento y necesidades evolutivas, incluso en piezas no sólo funcionales sino decorativas?

Margarita lo sabe. Está alerta y trabajando en mantener estos bienes intangibles tanto como las cualidades útiles y funcionales. Conoce las historias y la importancia de mantener vivas las tradiciones y legados. Pero también ve el mundo y es consciente de la imperante llamada a la modernización y evolución, para no quedarse atrás. Para evitar un suicidio colectivo so pretexto de preservar las más orgánicas formas de hacer las cosas.

La Dirección de Fomento Artesanal del estado de Jalisco registró cerca de 10 mil 700 artesanos, y en ello va la apuesta de ayudarles a mantenerse vigentes, seguros y parte de la historia de nuestro México. Y hay mucho más que se debe hacer. El reto no es sencillo. La apuesta es alta. Y necesitaremos más que solo visitar Tonalá o Tlaquepaque los fines de semana. Nuestra parte deberá incluir la valoración de las piezas, el conocimiento de las técnicas e historias, y la difusión y defensa de lo que como pueblo hemos creado. La guardiana necesitará un ejército de custodios comprometidos, promotores orgullosos y representantes conocedores del origen y fin de nuestra grandiosa y vasta artesanía mexicana.

Fotografía de Pablo Márquez Cervantes

Las artesanías y las manos creativas que le dan vida

Graciela Soto

El talento creativo permanece latente hasta que hay manos y mentes inspiradas que le dan vida.

En paredes, vitrinas y anaqueles de los pueblos artísticos se encuentran las obras de los artesanos; son productos con una historia para contar que se remonta a un pasado en el que la creación tuvo su origen entre piedras, barro, textiles, cuentas, hilos, madera, pintura y otros materiales del entorno.

Benditos los pies de quienes recorrieron este país para ir conociendo la riqueza cultural de cada sitio y encontraron sus emblemas. Roberto Montenegro, el Dr. Atl y Jorge Enciso, promotores del arte popular, sabían lo que valía cada objeto, lo que había costado su elaboración, el tiempo necesario para darle vida. Así, con sus propios ojos y tocando, sintieron la textura y percibieron el calor de los sarapes o admiraron las pinturas en las lozas y cerámicas de Puebla, percibieron la fragilidad de las jarras y vasos de vidrio soplado, enmudecieron con la forma de los objetos del barro negro o de los minúsculos diseños de filigrana de plata en Taxco.

Fueron muchos días y noches para construir un testimonio vivo del inventario artesanal de este gran país. Había que dejar atrás una dictadura que pesaba sobre los hombres, había que dejar atrás la pobreza de ser jornalero endeudado o sin futuro. Es después de la Revolución que se quiere recuperar el arte popular y eran los años 20. La tarea de Montenegro, Atl y Enciso era formar una exposición de arte popular con motivo de los festejos del Centenario de la consumación de la Independencia.

Son los materiales de la región los que se transforman con la mística de una cultura para dar identidad a través de múltiples objetos que no son manualidades, son arte elaborado con la herencia ancestral de generaciones. Representan a ojos que aprendieron observando a los ancianos, a manos que fueron guiadas buscando la originalidad y el perfeccionamiento del proceso. Ese arte simboliza a los cuerpos inclinados sobre el barro que moldea al hombre y lo hace más fuerte, lo hace inclinarse sobre la tierra y recibir su energía, y a su vez, este hombre moldea la figura del cántaro o la vasija que saciará su sed y más tarde podrá ser una pieza de museo que hable de cómo fue toda su historia.

Estamos llamados a ver atrás de la pieza, en donde se encuentre, ya sea en un lugar en el que se pone a la venta o en una exhibición. Detrás de ella hay un artesano y artista que puso tiempo de vida para ello, sus cualidades mágicas nos enseñan que la producción es muchas cosas a la vez:

Identidad y cultura.

Símbolos que hablan de sus valores y sueños.

Ironía que comunica.

Inspiración sublime reflejada en la obra.

Utilidad en la vida práctica.

Decoración de los espacios cotidianos.

Es una mirada del entorno ya que reproduce alguno de sus elementos.

En Jalisco existe riqueza en su inventario artístico y es una mujer, Margarita  Barajas Zendejas, gestora museográfica, colaboradora del ex Instituto de la Artesanía Jalisciense, pide resaltar el arte como parte de las cotidianeidades, luchar por recuperar historia, enseñar a los niños para que conozcan y aprecien lo que vale en vida y en tiempo el trabajo que se hace con las manos y la corazón, para que opongan resistencia cuando un gobierno estatal desaparece así como así un instituto como este, para que el arte sea parte vital y no accesorio utilitario y mercantilista.

Fotografía de Pablo Márquez Cervantes

 Sobre la artesanía en Jalisco

Magdalena Dueñas

Asomarse al mundo de las artesanías es como dar un paseo por la historia y cultura de cada región de un país.  Y cuando se hace de la mano de un conocedor y apasionado del tema, es como sentirse “iniciado” en el descubrimiento de la riqueza de materiales y técnicas utilizadas para crear esos  artículos que admiramos, aún sin saber lo que  hay atrás, pero sobre todo  para valorar más a los artesanos, verdaderos artistas, cuyo trabajo es producto de conocimientos ancestrales.

Margarita Barajas Zendejas, licenciada en Sociología, y con amplia experiencia en gestión cultural y museográfica, actualmente enfocada al análisis del impacto de programas sociales, culturales y de políticas públicas, desde la perspectiva del modelo de ecosistema de innovación social, comparte algunos de sus conocimientos y experiencias sobre la artesanía jalisciense, en una charla amena y magníficamente documentada.

 ¿Artesanía o Manualidad? 

No por ser fabricado a mano entra en la categoría artesanal, pues para ello se requiere que el objeto tenga una identidad cultural comunitaria, cuyo proceso manual sea auxiliado con implementos rudimentarios y con materiales generalmente obtenidos en la región donde habita el artesano. Es  un oficio, una industria creativa.

Un poco de historia

En México, como producto del primer Congreso Indigenista Interamericano, celebrado en 1940, se determinó salvaguardar y perpetuar las culturas indígenas del continente creándose lo que a la postre se convirtió en el Instituto   Nacional Indigenista. Finalmente, en 1951 surge el Museo Nacional de Artes e Industrias Populares, de gran importancia para la artesanía, pues además de albergar colecciones de arte popular, se iniciaron diversos programas para promocionar comercialmente los productos, así como orientación respecto a técnicas para reducir el tiempo invertido en la  fabricación, tomando en cuenta que los  artesanos obtienen el  sustento  económico  de su trabajo.

En Jalisco, abre en 1954 el Museo Regional de la Cerámica de Tlaquepaque, y en 1963 inicia la construcción de la Casa de las Artesanías de Jalisco, buscando el desarrollo y perfeccionamiento de productos y herramientas.

Margarita Barajas es coautora y coordinadora editorial de un magnífico libro, titulado “Artesanías, una fusión de vida y cultura”, publicado en 2009 por el entonces Instituto de la  Artesanía Jalisciense, con motivo del 45 aniversario de la Casa de las Artesanías, en el cual podemos encontrar no solamente información sobre el origen, desarrollo y  técnicas artesanales de nuestro Estado, sino estupendas fotografías de diversas colecciones, además de una  interesante descripción del proyecto y construcción de la Casa de las Artesanías, en el que  se  cuidó de forma especial la  utilización de materiales representativos del trabajo artesanal.

Panorama actual

La experta comenta que actualmente existen 10 mil 700 artesanos registrados en 30 municipios productores. Jalisco se destaca en diferentes técnicas  como  la cerámica, metalistería, lapidaria, arte  indígena y textiles.

 Detallar cada una de estas especialidades y las diferentes regiones del Estado en las que se trabajan sería tema para un artículo mucho más extenso. Aquí nos limitamos a algunos datos interesantes de la exposición.

Por ejemplo:  Todos sabemos que Tlaquepaque es famoso por artesanía; sin embargo, desconocemos que antes de la Colonia, era considerada tierra de brujos. Al llegar la influencia colonial se crea un sincretismo cultural, y de ahí surgen formas tan originales en las que se mezclan figuras fantasmagóricas de animales-hombres y otros símbolos que el artesano plasma en sus creaciones.

Un ejemplo podría ser la obra de Candelario Medrano (1918-1986) de quién se  cuenta que sus  figuras de leones o nahuales con cara de hombre, eran producto de sus  sueños. Para esas figuras se utilizaba la técnica del barro betus, decorado con mezcla de huevo y aceite de pino. Actualmente ya no se usa  esa  técnica,  sustituyéndose por otros materiales, pero el trabajo de Don Candelario continua  vigente en sus hijos y nietos, quienes siguen elaborando objetos surrealistas.

Aun cuando el  origen de la  alfarería  se remonta a la época  prehispánica, tomando en cuenta que  surgió  a  partir de que  el hombre requirió cocer  los  alimentos, trabajándola  para satisfacer  necesidades domésticas,  al paso del tiempo tuvo , como  otros  oficios, una evolución al buscar mayor  dureza y resistencia para sus  utensilios, y por  la misma naturaleza creativa del ser humano, pasó a decorarlos, a buscar nuevos  estilos , razón por la que  existen en la  actualidad  tan  interesantes variables como  la  “loza de agua”, cerámica brillante y tersa   que  todos  conocemos de vista sin saber que se llama   “barro  bruñido” ( tallado con pirita y agua), “barro canelo”  (piedra  de río y cebo), “barro bandera” (se distingue por sus  colores)  o que el “barro engretado” lo trajeron los españoles y la técnica incluía metales pesados, lo cual se ha resuelto en la cerámica  gracias a materiales que  no  causan daño a la salud al utilizarlos como artículos  de uso cotidiano.

Otra técnica muy famosa es el “petatillo” estilo tonalteca, elaborado con fuego, barniz, o engretado. Es un trabajo delicado, y se denomina así por la fina y milimétrica retícula la que sedecora el fondo. Las piezas son muy apreciadas por las hermosas figuras de animales y plantas decoradas con puntillismo, y requieren una gran maestría para su fabricación.   

La cerámica moderna ha tenido influencia de artistas innovadores que han dejado su huella en el estilo de decorar, como el Ingeniero Ortiz que, en los años 50, con la introducción de la cerámica tipo “corcho”, dio un toque distintivo a las piezas de alta temperatura, logrando inclusive una mayor ligereza.

Instalado en Tonalá en los sesentas, el neolonés Jorge Wilmot comenzó a experimentar con nuevas formas de cerámica como objetos de ornato, con la idea de mezclar diferentes influencias, preservando las tradiciones, pero con realmente valiosas en la técnica y el estilo.  A él se debe la introducción del gres y la utilización de hornos de gas a gran escala. En su trabajo se distinguen pájaros, flores, águilas de dos cabezas y soles multicolores. Su influencia ha sido enorme  en ceramistas mexicanos y extranjeros.

Sería imposible conocer en una charla la variedad de artesanía que Jalisco aporta al arte mexicano, pero es reconfortante saber que existen expertos como Margarita Barajas con ese interés por preservarla, apoyando procesos de innovación que permitan a los artesanos continuar con su oficio y lograr la permanencia de los productos elaborados por ellos en la vida cotidiana de la sociedad.

Esta charla ha sido no solamente instructiva, sino la oportunidad de abrir una ventana más al asombro por la creatividad del ser humano. 

Fotogragía de Pablo Márquez Cervantes

Relatos a partir de la verdad

El periodismo y la literatura nacieron para contar historias.

¿Hay fronteras entre el periodismo y la literatura? El argentino Tomás Eloy Martínez decía que ambos universos se necesitan mutuamente. El colombiano Gabriel García Márquez defendía que en algunas de sus novelas cada línea era verdadera y apegada al rigor periodístico.

Si hay algo que está claro para el periodismo y la literatura es que ambos nacieron para contar historias. El periodismo lo hace desde la objetividad que demanda apegarse a los hechos, aunque intenta una mejor narrativa; la literatura presenta una realidad con mucho más detalles, rellena todos los huecos que puede dejar una noticia o un reportaje y recurre a la ficción sin que por ello la historia narrada deje de ser honesta.

Alumnos de Trithëmius exploran esta simbiosis a través del taller Introducción a la Relación entre el Periodismo y la Literatura. Los siguientes textos son el resultado de su propia amalgama: se ponen en los zapatos de un periodista para consignar lo que sucede en este curso y convierten el hecho en una oportunidad para la escritura creativa. 

 

REALIDAD Y FICCIÓN

Por Angelina Rodríguez Arévalo

Yolanda Ramírez Michel, escritora, editora y directora de Trithëmius Talleres Literarios, con su espíritu innovador invitó a la periodista Mireya Espinosa a diseñar e impartir el taller Introducción a la Relación entre Periodismo y Literatura.

La nueva propuesta inició con un viaje por las lecturas de Gabriel García Márquez, Ryszard Kapuscinski y Tomás Eloy Martínez, entre otros autores. Además, acercó a la experiencia en la línea de fuego de Arturo Pérez-Revente y a las reseñas literarias de Rafael Pérez Gay. En esta travesía, los alumnos pudieron descubrir el enlace entre la realidad periodística y la ficción literaria.

En este espacio académico se motiva a los tejedores de historias a leer y revisar textos literarios que han surgido de una nota periodística: “A sangre Fría”, de Truman Capote; “Crónica de una Muerte Anunciada”, de Gabriel García Márquez; “Olinka”, de Antonio Ortuño, y “Diario del Año de la Peste”, de Daniel Defoe, por citar algunas novelas.

“Muchas veces, es la noticia perdida en las páginas interiores de un diario lo que da origen a una gran novela”, decía Carlos Fuentes, por ello, la expositora sugirió a los magos de lengua escrita explorar los diarios, descubrir los detalles, dejarse llevar por una noticia que despierte su creatividad y atreverse a escribir un texto literario, inspirados en los hechos reales, pero con una narrativa que conmueva al lector.

La visión de implementar el taller de Periodismo y Literatura en la comunidad Trithëmius permitirá formar escritores comprometidos con el poder de la palabra que transforma la vida.

Angelina Rodríguez Arévalo

PERIODISMO Y LITERATURA DE LA MANO

Por Graciela Soto

Trayectorias, historias e intereses concurren en el Taller Introducción a la Relación entre el  Periodismo y Literatura, coordinado por Mireya Espinosa, periodista con trayectoria en los diarios MURAL, NTR Guadalajara y el Sol de Tampico, entre otros.

La directora de Trithemius, Yolanda Ramírez Michel, amplía la oferta de la escuela de escritura con esta propuesta que reúne a personas con diferentes perfiles, pero con un propósito común: aprender de las letras. 

El tiempo es propicio, la pandemia ha brindado algunas oportunidades como esta coincidencia virtual de los miércoles a las 5:00 de la tarde, a partir de julio de 2020 con la plataforma de Zoom. En tiempos como éste, fue cuando Daniel Defoe documentó el “Diario del Año de la Peste”, a partir de los detalles que escribió su tío acerca de la epidemia que azotó Londres en 1665.

El taller acerca a figuras como Tomás Eloy Martínez, el periodista-escritor irreverente cuyo deseo era que las letras no solo fueran datos sino que trasmitieran fuerza, que construyeran y comunicaran relatos que condujeran a los lectores de noticias a un texto literario.

Otro acercamiento es a Truman Capote y su obra maestra “A Sangre Fría”, historia basada en una nota roja y con la cual se comprometió por 10 años para detallar cada hecho, motivo, causa o consecuencia de un asesinato. La obra lo dejaría marcado para siempre.

El taller se desliza hacia el campo maravilloso de la escritura, a la redacción de la noticia con elementos literarios y por qué no, a la creación de cuentos, novelas, biografías o relatos del diario vivir y que son inmortalizadas por las palabras escritas.

Graciela Soto

EL PERIODISMO, LOS ÁRBOLES Y LA LITERATURA

Por Jonás L. Laya

Hay ocasiones en que uno quisiera narrar lo que vive, y hay otras en que uno quisiera vivir lo que lee.  Como si fuésemos reporteros de nuestra propia experiencia, nos adentramos de a poco en el denso follaje de las letras, tratando de entrever donde surge la rama de una historia “real”, o bien una ficción, que a golpes de inventiva entreteje su liana con lo que bien pudo ser cierto, de manera que ya no se distingue del todo dónde termina el arribista parásito vegetal, y dónde comienza el árbol de lo verídico.

Eso es, en contadas palabras nuestro taller:  el intento de entresacar historias de las historias. Un ejercicio de deconstruir y reedificar los andamios de la realidad, para llegar (quizá) a un acercamiento más prístino a la verdad, esa salamandra escurridiza que se pierde entre las ramas, y a la que poco o nada le importa si las ideas que la persiguen, lo hacen desde los “hechos duros” o desde nuestra pretendida (y pretenciosa) fantasía.  He pues aquí un intento de asir lo inasible: la tarea incansable del hombre desde que se piensa hombre, sobre la cáscara de esta Gran Manzana, a vuelta tras vuelta, mordiendo con preguntas el inmenso vacío…

Jonás L. Laya

TRITHËMIUS, LICEO DONDE SE CUENTAN Y SE CREAN HISTORIAS

Por Maik Granados

La convergencia del ejercicio periodístico y la literatura tiene lugar en un sitio especial, los miércoles del verano, en el año de la gran cuarentena (2020).

El reloj me apresura quince minutos antes de la esperada cita. Repaso los apuntes de la anterior reunión y descubro en ellos una simbiosis perfecta entre contar historias y crearlas.

Es una aventura que inicia en la sana distancia, como la mayoría de las reuniones en el presente de la historia humana. Quienes coincidimos semanalmente, ahí en ese liceo virtual, lo hacemos con el entusiasmo de los antiguos peripatéticos de Aristóteles. Amamos los paseos por los ciber jardines de la escuela de escritores de Yolanda Ramírez, bautizada con el nombre del monje creado por Umberto Eco en su obra sobre La Búsqueda de la Lengua Perfecta: Trithëmius.

De la mano de la experiencia de Mireya Espinosa, revisamos el extenso repertorio de destacados periodistas – escritores o escritores – periodistas, como Tomás Eloy Martínez, Daniel Defoe, Edgar Allan Poe, Truman Capote, Harper Lee, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Arturo Pérez Reverte, entre otros muchos más.

Y en lo personal, el autor que se ha robado mi simpatía en este periplo, es el polaco Ryszard Kapuscinski, con su prosa insurgente, poniendo los reflectores en los hechos que deben ver la luz, a través del lenguaje poético, construyendo una deliciosa narrativa de lo real.

Así es como espero encontrar el estilo de mi propia prosa, teniendo como semillero de mis textos  a la realidad que nos acontece, para contar y crear historias que atrapen a quien me lee.

Maik Granados